Cine: Carmen y Lola ( de Arantxa Echevarría) __________ Tres razones imprescindibles para verla.

Lo mejor de la película: Que lo que cuenta es importante, necesario y valiente, las dos protagonistas muy especialmente Zaira Morales y su Lola, la dirección de Echevarría y que con su primer largometraje hable de la homosexualidad femenina tan poco tratada en el cine.

El momento de la película: El primer encuentro entre Lola y Carmen en el mercado. Mientras que toda la película tiene un todo naturalista, esa secuencia parece una ensoñación con la lluvia cayendo y la falta de música, como si el tiempo se hubiese detenido.

La frase de la película: - "Lola, que esto es un pecado muy grande" La madre de Lola

La "vuelta al cole" de septiembre también trae una lista de estrenos muy interesantes y esta semana sin ir más lejos han llegado dos películas muy diferentes entre si pero de las que llevo semanas oyendo hablar.
Una es Las distancias de Elena Trapé y la otra es esta Carmen y Lola. 
Reconozco que estaba un poco preocupada de que una ciudad pequeña como Vitoria no las estrenase, pero como septiembre siempre trae buenos momentos, este viernes llegaban las dos a la cartelera de los cines Florida.

Lo que no podemos asegurar es si las dos o una de las dos conseguirá seguir en cartel la semana que viene....

Por si acaso yo las veré estos días.

La primera ha sido Carmen y Lola y aquí van las 3 razones por las que me parece una película imprescindible de ver.

UNO:   POR TODAS LAS LOLAS Y CARMENES.

La película es una historia de amor entre dos mujeres jóvenes y gitanas. Es la historia de cada una de ellas y la historia de su relación. 

En una sociedad como la nuestra en la que se buscan constantemente modelos y guías, me temo que no hay muchas mujeres públicas homosexuales, menos en España.

Pienso en dos nombres de mujeres que hayan reconocido públicamente ser lesbianas y lo vivan con naturalidad y solo se me ocurren a la presentadora Sandra Barneda y su pareja Nagore, pero no encuentro ningún otro caso tan relevante. 

Hay rumores de presentadoras o actrices, pero ninguna ha dado el paso de hacerlo público por lo que no me interesan básicamente porque me resulta insultante obligar a alguien a hacer público lo que no quiere.

Pero si es importante que existan modelos que sirvan como referencia a otras personas, sobre todo en un tema como el de las mujeres homosexuales que tan invisibilizado ha estado.

Y por eso es importante que se cuente la historia de Carmen y Lola, porque muestra en una pantalla de cine a dos mujeres que se enamoran y todas las dificultas que tienen que sortear por ello.

Dos mujeres diferentes, con dos recorridos diferentes . 

Lola que sabe desde el comienzo lo que siente, que tiene miedo de vivirlo porque no quiere tener que abandonar su casa ni enfrentarse a sus padres, que busca el camino para ser verdaderamente ella.

Artista, grafitera, un tanto arisca, fuerte, decidida, valiente, sus incursiones en el internet del locutorio es su manera de salir de la presión familiar para que se case y tenga hijos.

Carmen tiene la vida planeada, cree saber quien es y lo que le espera, pero su encuentro con Lola va a cambiar todo su mundo de arriba abajo. Me resulta fascinante ver su cambio de mujer apacible y obediente a "camicace" capaz de dejarlo todo atrás para que no encierren en su propia casa.

DOS: POR LA DIRECCIÓN Y GUION DE ARANTXA ECHEVARRÍA.

El salto al largo de esta directora nos trae una película personal y valiente, que empieza situándonos en una comunidad gitana para poco a poco ir cerrando el foco en estas dos mujeres y convertir así la historia de algo social a algo íntimo.

Me repito mucho, pero creo que es MUY IMPORTANTE que cada vez más mujeres dirijan, escriban historias y las produzcan. Necesito ( necesitamos) más de ellas en lugares detrás de la cámara, aportando diferentes miradas y tomando el mando.

Por eso cada euro que se pague en la taquilla del cine por Carmen y Lola es una apuesta por Arantxa y sus futuras películas.

TRES:  POR SU FINAL.

No es fácil cerrar una historia como esta, entiendo que la guionista haya tenido dudas y barajado diferentes posibilidades para ello. 

Para mi ha conseguido un final coherente y esperanzador, con el mar como metáfora para la libertad de dos mujeres que apuestan por un nuevo comienzo tras el rechazo de los suyos.

No es un final feliz total, no es un cuento Disney en el las protagonistas se casan rodeadas de los suyos en paz y armonía. Más bien es una apuesta por lo que sienten, obligadas a huir por el rechazo de sus más cercanos.

Un mar de calma en el que las dos se pueden bañar desnudas, después de esa terrible escena en el que la madre de Lola dice en voz alta todos los prejuicios, vergüenzas e insultos con los que la sociedad lleva años machacando a las mujeres homosexuales.

Al salir del cine solo me quedaba el deseo de que estas dos mujeres encuentren la calma y la alegría en ese nuevo comienzo, no se sabe cuanto durará su historia de amor, si será para siempre o será por un tiempo, si algún día volverán a ver a su familia y si estos podrán reponerse a lo ocurrido.

De momento, les queda el mar.

Ideas sueltas:

- Septiembre y desde ya pido el Goya a mejor actriz revelación para Zaira Morales. Maravillosa ella y su personaje.

- Las chispitas de humor a lo largo de la historia son maravillosas.

- Se nota que Echevarría viene del documental, hay momentos que tenía la sensación de estar en medio de una "pedida" gitana. Parece que es capaz de mostrar sin juzgar. Por cierto, espero también nominación para ella como mejor dirección novel.

- " Ya tendrás tiempo para hablar con él toda la vida".

- El culto religioso que suma todavía más la vergüenza y que da soluciones para la cura de la niña.

- " Que te lo firme la mama que tiene mejor letra".

- Los hombres están en segundo plano, la película es un retrato de ellas. Madres, hijas y hermanas.

- " En casa de la suegra, una no puede hacer eso"

- Menos mal que está el personaje de la asistente social.

- "Se acabo ya la tontería, que me tienes ya muy harta".

Carmen y Lola.

Cine: Martín (Hache) de Adolfo Aristarain____ de Hache a Martín con el paso de los años.

 

Lo mejor de la película: Los diálogos de la película recitados por cuatro actores en estado de gracia. El corazón de la película es la relación padre-hijo, nada idealizada, y como repercute esta en sus más cercanos. La verdad con la que se hablan entre los cuatro, con dureza y crudeza si, pero con una franqueza de las que hacen que las relaciones sean sanas y significativas.

El momento de la película: Martín padre e hijo, Dante y Alicia cenando con mucho champán en la terraza de la casa del sur diciéndose verdades como puños.

La frase de la película: - " Será tu hijo, pero no sabes quien es" Dante a Martin.

- " Siempre hay que seguir, aunque solo sea por curiosidad" Dante.


Ciertas películas adquieren un nuevo significado cuando pasa el tiempo, esta película de Adolfo Aristarain estrenada en 1997 me causó un gran impacto cuando la vi en el cine por primera vez probablemente porque en aquella época yo tenia solo un par de años menos que protagonista y me sentía tan perdida como él.
Mi percepción sobre ella ha ido cambiando en la misma medida que han ido pasando los años y yo pasaba de ser una post adolescente desubicada hasta la adulta que mira desde la madurez al personaje del padre.
Por eso hoy que es San José, día del padre, Martin (Hache) me resulta la mejor película para hablar de esa relación siempre compleja, difícil y fascinante como la que se puede llegar a dar entre un padre y su hijo porque hay en esta película más verdad que en todos aquellos libros que dicen lo maravilloso que es tener un hijo.

-"No te gusta ser padre, pero te faltan huevos para reconocerlo" Dante a Martin.

El padre.

Adolfo Aristarain director, guionista y productor de la película bucea a través de cuatro personajes en las relaciones humanas especialmente en la que se establece entre un padre y un hijo una vez que este se ha hecho adulto.

Confrontándose a las historias que hablan desde el punto de vista de unos padres recién estrenados en la paternidad/maternidad cuando un recién nacido o un niño llega a sus vidas como en el caso de la reciente serie de Berto Romero Mira lo que has hecho, Martin (Hache) apunta y da en la diana al escarbar en la oscuros recovecos de esa relación con un hijo que acaba de llegar a la mayoría de edad.

Martin padre es un hombre serio, culto, muy inteligente y bien situado. Tiene poca gente alrededor pero parece serle suficiente.
No puede ser más que una metáfora que cuando le llaman de Buenos Aires para decirle que su hijo ha intentado suicidarse no oiga el teléfono porque tiene los auriculares puestos y tenga que ser su amigo Dante quien corra a su casa a darle la noticia.

Toda la actitud de Martin ante la vida esta resumida en esa escena, pese a sus grandes cualidades es incapaz de escuchar, nadie puede sacarle de su zona de confort y hasta esa llamada telefónica sus hijos son dos seres extraños que viven a un océano de distancia.

En las dos horas que dura la película este padre ausente no se convertirá en un nueva personas por obra y milagro de la relación con su hijo, probablemente este más dañado que al principio de la historia, pero al menos ha conseguido darle a su hijo EXACTAMENTE lo que necesitaba para que pueda volar.

- " Lo llamas hache, que es una letra muda, que no existe y encima va encerrada entre paréntesis" Alicia.

 El hijo.

Hache es el primer personaje al que conocemos en la película. Vive en Argentina, es un chaval de 19 años que ni estudia ni trabaja ( en el 97 esta película ya hablaba de ninis). Vive con su madre y su padrastro y se dedica a tocar la guitarra eléctrica en un grupo de hard-rock.

Igual que la metáfora de los auriculares en el padre, la del hijo es que duerme en un sofá cama en el salón porque ya no hay sitio para él en la casa de su madre.

Su sobredosis es la explosión que cambiara no solo su vida sino la de la gente de su entorno.

Hache no sabe que hacer con su vida, no solo es que este perdido, es que no sabe quien es, situación normal a los 19 años de edad.

Toda su falta de significado existencial pasa por los dos enormes ojos negros de un jovencísimo Juan Diego Botto que recuperaba aquí su acento porteño natal tras Historias del Kronen de Montxo Armendariz, para poner piel a un chaval que estorba a sus padres y al que apremian para que encuentre un camino.

Su viaje engañado a Madrid para un mes, cuando realmente es un intento de empuje de unos padres que no saben como ayudarle, le pondrá en contacto con dos seres humanos que ampliaran su forma de ver la vida y le reconectará con un padre al que verá desde una nueva perspectiva una vez se desencadene la tragedia.

- "Yo sé que me quiere, quiere que me vaya bien, pero nada más. No espera nada de mí" Hache sobre Martín.

Las expectativas.

El monologo de Hache sobre las ilusiones de su padre para él en las escaleras de la casa del sur tras una cena en la terraza, es uno de los más duros y reales que he escuchado en una obra de ficción sobre la juventud.

Para Martin padre los objetivos, el triunfo, las metas y el trabajo duro son pilares fundamentales. Todo lo que se salga de sus parámetros es un fracaso y no merece su respeto. Los otros tres personajes se pasan las dos horas de la película corriendo tras ese respeto que nunca parece llegar y por el que tanto tienen que esforzarse.

Hache está paralizado por esas expectativas y por eso escuchar durante esa importante cena a Dante y Alicia exigirle al padre "que afloje" para posteriormente sincerarse en las escaleras con el amigo de su padre lo doloroso que le resulta no cumplir con esos deseos me resulta el momento clave de toda la película.
Un monologo en el que creo que nos hemos perdido muchos, sobretodo en la post-adolescencia. Ser lo que nuestros padres sueñan de nosotros por muy rebeldes que seamos, cumplir con lo que ellos consideran un éxito es al final una piedra que arrastramos atada a los pies hasta que no rompemos con la cadena. Hache conseguirá hacerlo con su viaje de vuelta a Buenos Aires.

Ninguno podrá cumplir con lo que Martin parece exigirles y por eso los tres tendrán un final tan diferente. Uno trágico para Alicia, uno en libertad para Hache y una relación reajustada para Dante.

- "Tendréis la conciencia tranquila porque sois modernos, porque habéis aplaudido a rabiar una obra de izquierdas durísima. Durísima, tío!" Dante.

La libertad.

El personaje de Dante al que da vida un estratosférico Eusebio Poncela es el Pepito Grillo de Martin, el amigo leal que le quiere y le acepta tal y como es, el que le mueve para que salga de su zona de confort, el que le desafía hacia una vida menos rígida.

El otro día cuando volvía ver la película recordé porque desde el primero momento en el que la vi amé a Poncela, su trabajo aquí no solo es generoso ( sabe que el centro de la historia es la relación padre-hijo y él sabe quedarse a un lado cuando le corresponde), sino que acierta a darle un aire teatral a este Dante que solo entiende la vida como transgresión y que ama hasta el final.

Su momento en el teatro, en el que se quita la peluca y reclama al público por creerse mejores solo por ver una obra de izquierdas es algo que siempre he querido que me pase a mi en una función, porque ese momento también es un recordatorio por parte de Aristarain de que como público parece que estamos esperando a que nos den lo que queremos, a buscar aquello que reafirme nuestras creencias y no esperar que nos sacudan con libertad como lo hace Dante.

El final viendo el video de Hache junto a Martin es la del cierre de candado, la amistad entre estos dos hombres será ya hasta el final.

- " Tomá las llaves, metetelas por el orto" Alicia a Martin.

El cambio de perspectiva por el paso del tiempo.

Los casi veinte años que han pasado desde que vi la película por primera vez hasta la ultima se ven reflejados en la diferencia de perspectiva que tengo hacia ciertos temas.

Desde lo oscuro y rebelde que me parecía la adicción a las drogas de Alicia siendo joven a la pena y dureza con la que lo he visto ahora, desde las noches llenas de alcohol y sin dormir que tienen los cuatro que con 18 años me parecían tan divertidas a la imposibilidad de quedarme hasta más de las tres de la mañana despierta en la actualidad.

Pero si hay algo que me ha impactado es el exagerado machismo de Martin. En el año 97 el personaje de Luppi me resultaba difícil y antipático, pero ahora en el 2018 me resulta un verdadero carcamal. No se si fue la idea de Aristarain pero lo cierto es que el personaje protagonista será muy inteligente, pero su visión de las mujeres es humillante.

Su falta de interés e ilusión por su hija ( verbalizados por el propio Hache) y el maltrato psicológico al que somete a Alicia, una mujer moderna y pragmática pero que anda al paso de su pareja, muestran un hombre machista, controlador que no deja marcharse a su pareja ni le da el lugar que se merece. Amen de los desprecios que le hace a ella y la visión de la madre de Hache. Su visión macho del hombre marca todas sus relaciones y le deja solo y desorientado ante las emociones.

- ¿ Serías capaz de aceptar que soy un mediocre? Hache a Martin.

El humanismo.

Martin (Hache) es una película que va gestionando el conflicto de menos a más. Desde un principio se hablan con franqueza, pero las emociones y el dolor solo acabarán de estallar al final cuando la realidad de lo que cada uno necesita y lo que le ofrecen se hacen incompatibles. Extraordinariamente dialogada y con una dirección de actores milimétricas es una película que ha sobrevivido al tiempo por ciertas conversaciones icónicas en ella y por cuatro personajes muy reconocibles. 

La película trata con honestidad relaciones que se han idealizado en el cine, para hacer que las palabras por muy duras que sean sirvan como puentes.

20 años después de haberla visto por primera vez hasta ahora puedo ver a través de ella la evolución en la relación con mi propio padre, desde aquella joven que sentía todas y cada una de las palabras del monologo de Hache en la escalera hasta ahora que somos capaces de viajar juntos los dos solos durante doce días por carreteras medio abandonadas en uno de los mejores viajes de mi vida.

It´s Oscar night, baby

Ya llegó la noche de los premios cinematográficos por excelencia y estoy muy orgullosa de mis misma porque he visto las nueve nominadas a mejor película antes de la gala!

Me quedo con DOS películas de esas nueve en el top de mis favoritas, no solo para esta gala sino para mi filmoteca particular:

1)  Como no he dejado de repetir desde que la vi por primera vez en el cine hasta la tercera y última, mi número uno es CALL ME BY YOUR NAME de LUCA GUADAGNINO.

La belleza de esta película me ha ganado para siempre.

2) EL HILO INVISIBLE de PAUL THOMAS ANDERSON.

Esta película es CINE, en mayúsculas. Estoy convencida que el tiempo le dará el lugar que ya debería tener, el de OBRA MAESTRA. 

A partir de aquí me quedo con Lady Bird de Greta Gerwig, maravillosa historia de adolescencia y crecimiento en la que me vi peligrosamente reflejada en demasiados momentos.

Lo más irónico de todo esto...es que entre las tres puede que solo ganen uno o dos premios esta noche, incluso tienen muchas posibilidades de irse de vacío.

Así que la gala de este 2018 no solo se me va a hacer muyyy larga....me va a dejar de muy mala leche.

Lo que si podría es ganarme un dinerillo porque las apuestas de este año parecen más cerradas que nunca, así voy con los que creo (estoy convencida) que van a ganar en las 8 principales categorías.

Película, Director, Actor Principal, Actriz Principal, Actor Secundario, Actriz Secundaria, Guion Adaptado y Guion Original.

Desde anoche tengo la sensación de que algo va a tener que ocurrir en los premios porque es imposible que quieran que sean tan previsibles, no algo del nivel del año pasado dando el Oscar a mejor película por error, me refiero a que el ganador del premio gordo ( es decir el de película) vaya a parar a una inesperada... 

Todo se desvelará en unas horas, de momento voy con lo que va a ganar y lo que quiero que gane...que este año van cada uno por su lado.

MEJOR GUION ADAPTADO:

Mi premio más esperado de la noche y espero que mi gran alegría.

GANARÁ: CALL ME BY YOUR NAME de Luca Guadagnino escrito por James Ivory.

QUIERO QUE GANE: CALL ME BY YOUR NAME de Luca Guadagnino escrito por James Ivory. 

No se si aplaudiré más que película se lleve un premio tan importante o ver recoger a Ivory por fin un Oscar, me da lo mismo, lo importante es que este será el momento de la noche en el que me levantaré a aplaudir con ganas. 

MEJOR GUION ORIGINAL:

Es el Oscar que decantará el premio de mejor película. Este año habrá diferencia (como en los últimos años) en el de director con película, por lo que la que gane el premio gordo tiene que ir con el de guion, sino no tendría sentido ni coherencia.

GANARÁ: TRES ANUNCIOS A LAS AFUERAS de Martin McDonagh escrito por el propio McDonagh. 

QUIERO QUE GANE: LADY BIRD de Greta Gerwig escrito por la propia Gerwig.

Tres anuncios.. tiene unos muy buenos diálogos y el principio de la historia resulta muy estimulante, pero a medida que avanzaba la película tenía la sensación de que McDonagh resolvía situaciones a su conveniencia sin respetar la progresión natural de la historia creando momentos absurdos.
Todavía estoy en shock por la secuencia en el que el policía tira por la ventana a un chico y acaba redimiéndole con un zumo de naranja.
Sigo esperando a que alguien me explique el sinsentido de mitad de pelicula con coherencia narrativa. Y el verdadero propósito de la historia.
Frente a este guion, el de Lady Bird que funciona maravillosamente bien, lleno de detalles y consistencia a pesar de ser una opera prima, podría parecer sencillo de escribir, pero es una verdadera joya.
La sorpresa podría salta si el Oscar de esta categoría fuese para Déjame Salir de Jordan Peele.

MEJOR ACTOR SECUNDARIO:

GANARÁ:  Sam Rockwell por Tres Anuncios a las afueras.

QUIERO QUE GANE: Armie Hamer por Call me by your name....vale, ya se, no está nominado, asi que tendré que quedarme con Willem Dafoe por The Florida Project.

Todos los problemas que he tenido con el guion de Tres anuncios a las afueras se cristalizan en el personaje de Sam Rockwell y su racista policía.

Por más que me parezca un actor fantástico en esta película todo lo que hace es absurdo y exagerado, que por más que intente retratar al americano republicano cateto su trabajo no tiene nada de premio.

En cambio premiar a Dafoe sería hacer a un personaje maravilloso, bien construido, fundamental para la historia y mejor intepretado en una película que no debería irse de vacio esta noche.

Pero esto son los premios Oscar.

Como dejar fuera del quinteto final a Armie Hammer y su Oliver que serán recordados durante mucho tiempo (tanto él como el personaje) y que si este Richard Jenkins con el sumun del tópico en La forma del agua.

Mi consuelo, que con Call me by your name Armie está ya en nuestra memoria cinematográfica para siempre.

MEJOR ACTRIZ SECUNDARIA:

GANARÁ: Allison Janney por Yo, Tonya.

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QUIERO QUE GANE: Lesley Manville por El hilo invisible.

Este va a ser el caso de premio dado por  talento y recorrido, más que por el trabajo en una película concreta. Janney es una actriz superlativa (yo la venero desde su época en EL ALA OESTE DE LA CASA BLANCA) pero en Yo, Tonya su madre de la protagonista a pesar de ser un bombón, no tiene un recorrido lo suficientemente grande como para poder disfrutar realmente de esta actriz. Su función en la película es la de maltratar, machar y menospreciar a Tonya para justificar las acciones de su hija. Merecía más, mucho más.

En cambio, lo que hace en El hilo invisible Lesley es estratosférico. Su hermana del protagonista es uno de esos personajes que te dejan pegado a la butaca. Además Manville pertenece a ese grupo de actrices inglesas que demuestran porque son las mejores en los suyo.

De todos modos, aplaudiré suba quien suba a por el premio.

MEJOR ACTRIZ PRINCIPAL:

GANARÁ:  Frances McDormand por Tres anuncios a las afueras.

QUIERO QUE GANE: Saoirse Ronan por Lady Bird.

McDormand es un titán, su interpretación de madre coraje intentando que el asesinato de su hija no caiga en el olvido es fantástica. Que gane su segundo Oscar 21 años después del que gano por Fargo es justicia para una actriz diferente, verdaderamente rebelde y de un talento apabullante.
Pero es que yo tengo una debilidad por Ronan. Su Lady Bird ha sido un regalo en una pantalla de cine. Cierto que es pronto para ella, es muy joven, pero es que ya es su tercera nominación y está empezando a ser necesario que se la premie YA.

MEJOR ACTOR PRINCIPAL:

La categoría que más me va a hacer sufrir...

GANARÁ: Gary Oldman por El instante más oscuro.

QUIERO QUE GANE: Thimotée Chalamet por Call me by your name.

Esto va a ser tal que así.

Dentro de 5 años, frente a la taquilla de un cine.

- ¿ Vamos a ver la peli de Gary Oldman?

- Vale

- Jo, todo lo que tardaron en darle el Oscar.

- Es verdad. Al final fue por EL TOPO.

- Nooo, por El Topo no.

- Entonces ¿ por cual fue?

- Ayyy, pues creo que por una inglesa, una que hacia de rey, o de algo asi...

- No sé, no me acuerdo.

Dentro de 5 años, en cualquier conversación sobre cine.

- Call me by your name sigue siendo maravillosa incluso después de tanto tiempo de su estreno

- Yaaaa. Y sigo amando el pesonaje de ELIO como el primer día que la vi en el cine.

- Es que Thimotée Chalamet estaba inmenso y su ELIO era inolvidable. ¿ Qué será de él? ¿ Cómo seguiría su historia si fuese real?.

- Yo creo que será feliz. ELIO es todo lo que un personaje debería de tener y fijo que conseguiría ser un fantástico músico feliz.

Esta es la diferencia en haber interpretado al personaje y ser el actor del año (Chalamet) o que te den un Oscar por tu carrera ( Oldman). 

MEJOR DIRECTOR:

GANARÁ: Guillermo del Toro por La forma del agua. 

QUIERO QUE GANE: Paul Thomas Anderson por El hilo invisible..

Va a ganar Del Toro y así los tres directores mejicanos más reconocidos tendrán su estatuilla ( Alejandro Gonzalez Iñarritu y Alfonso Cuaron le precedieron) haciendo que el equipo tequila se conviertan en el tridente por excelencia.

Yo solo voy a dejar escrito esto por aquí. DARLE. EL.PUTO.OSCAR.A.PAUL.THOMAS.ANDERSON.

MEJOR PELICULA:

La categoría más abierta y con más posibilidad de sorpresa. A estas horas sigo apostando por Tres anuncios a las afueras aunque me resulta muy raro que vayan a premiar una película en la que su director no está nominado. Que Martin McDonagh no haya conseguido nominación a mejor director lo podrían compensar que su actriz principal y su actor secundario ganen premio y que su guion sea también sea reconocido.

Veo más difícil que Del Toro a parte de director consiga que La forma del agua gane en película. Su historia a pesar de que los académicos consideren que está muy bien dirigida no es lo suficientemente profunda o con un tema trascendental como para que sea la película del año.

A estas horas, sigo pensando que el premio gordo es para Tres anuncios a las afueras. Pero el sorpresón podría darlo Déjame Salir de Jordan Peele que si está nominado como guion original y como director. Además premiarían una película que habla del racismo de la manera más agresiva que he visto en mucho tiempo, pero que finalmente denuncia una lacra social muy presente en Estados Unidos.

Si por mi fuera....Call me by your name y El hilo invisible serían un OSCAR ex aequo a las dos mejores películas del año.

Sea lo que sea, se premie lo que se premie....el año que viene vendrán otros premios con otras predicciones.

Cine: Loreak ( de Jose María Goenaga y Jon Garaño) ____ Los secretos guardados en las flores.

Lo mejor de la película: Todos y cada uno de sus ramos de flores y los significados que encierran. Las actrices, TODAS ELLAS, perfectas en una cinta en la que son el centro de la historia. La delicadeza y belleza de una película sencilla. Que una historia hablada en euskera y rodada en Euskadi sea tan universal. Un guion de ida y vuelta, que entrelaza envíos de flores como un magistral telar para acabar componiendo un complejo mosaico de relaciones. La delicada dirección de dos directores en estado de gracia.

El momento de la película: En el velatorio de Beñat, la cámara está frente al personaje de la madre, y se acerca muy lentamente a ella. En ese movimiento, pausado y silencioso de apenas un par de minutos, el rostro de la actriz Itziar Aizpuru pasar por más de diez emociones diciendo muy pocas palabras. Una sola secuencia que encierra no solo todo el significado de la matriarca, sino toda la esencia de la película.

La frase de la película:  - “Ez dituzu zuk bidali?” Ane– “Nik? Zertarako?” Senarra

                                         - “¿No las has enviado tú?” Ane –“¿Yo?, ¿para qué?” El marido

Me prometí a mí misma, que cuando acabase el curso en el euskaltegi escribiría algo sobre Loreak. Aprobase o suspendiese, quería cerrar el intenso curso académico escribiendo sobre una de mis películas favoritas.

Así, en general. No una de mis películas favoritas vascas, o de las habladas en euskera, o de las nominadas al Goya a mejor película. No, una de mis películas favoritas, a secas.

A pesar de lo difícil que resulta aprender el idioma (reto a cualquiera a que me diga otro idioma en el que se tarden como mínimo entre siete u ocho años en dominarlo) y contrariamente a la tónica general de los estudiantes que prefieren la gramática, a mí siempre me ha gustado mucho hablar en euskera.

Echándole morro y/o cometiendo errores, pero poder escuchar o hablar en euskera siempre ha sido un placer para mí.
Por eso cerrar el curso con Loreak, esta vez sí en versión original, ha sido como ver la película de nuevo por primera vez, redescubrirla.

Loreak se estrenó en el festival de cine de Donosti de 2014, y para todos aquellos que criticaron que el festival programaba una película en euskera para cumplir la cuota de cine vasco, quedó más que demostrado que su selección iba totalmente ligada a su calidad artística.

La película de Goenaga y Garaño es una obra artesanal, como un mural pintado a varias manos, hecho desde el detalle y lo pequeño para hablar de temas universales.
Unos meses antes de ese mismo 2014, se había estrenado Ocho apellidos vascos que partiendo también de la premisa de que los vascos somos cerrados, poco sentimentales, con problemas para comunicar nuestras emociones, hacia una mezcla de todos esos elementos aderezados con humor, en el que cargaban tantos las tintas que todo era un tanto topicazo.
Loreak hacia lo contrario, su gran acierto estaba en que habiendo sido rodada en Euskadi, con actores vascos y en euskera, poniendo los pilares de la historia también en todos esos tópicos del carácter vasco, conseguía llevarla a temas universales entendibles por cualquiera.
La soledad, los problemas de comunicación, los secretos que guardamos, los sentimientos sin expresar, todo está en Loreak.

La primera busca al espectador, se lo da todo mascado hasta la garganta con cucharadas del humor más sencillo, la segunda es sobria, le cuenta una historia al espectador pero es él el que tiene que imaginar, suponer o pensar, es una propuesta arriesgada y autentica, no es solo entretenimiento, es un cine artesanal.
La primera acabó siendo un bombazo en taquilla, a la segunda no le fue mal pero su audiencia fue más limitada. Creo que el tiempo acabará desinflando a la primera y colocará a la segunda en la categoría de pequeñas joyas cinematográficas.

El 2014 el cine dió dos películas que trataban de hablar de la sociedad vasca, sin duda fue la película de Goenaga y Garaño la que la retrató de una manera más auténtica, honesta y real.
Loreak parte de un guion basado en los detalles, escrito por los dos directores mano a mano junto a Aitor Arregi, en la que se cuenta la historia de como el envío de unas flores cambia la vida de tres mujeres. Desde que Ane encuentra en la puerta de su casa un ramo sin remitente y tras confirmarle su marido que él no se las ha envidado, todas las consecuencias se desencadenan como un big bang que cambiará las vidas de las tres protagonistas.

Beñat es ese big bang, Lourdes, su mujer, Tere, su madre y Ane, la receptora de las flores, las afectadas.
La película empieza con lluvia y llena de grises, y aun sabiendo que es cierto que por estas tierras ese es el tópico, lo cierto es que en una película llena de metáforas el tiempo también lo es.

Los tres personajes femeninos empiezan la historia desde la tristeza. Dos de ellas conseguirán la redención, la tercera acabará su vida bajo la niebla de la terrible enfermedad del olvido.
Tres mujeres en tres momentos de la vida en la que se les exige que cumplan con lo establecido.

Lourdes, casada con un hombre que no es capaz de plantar cara a su madre, a la que su suegra apremia con una nueva maternidad a pesar de ser clara en su negativa, que vive en la frustración y reacciona a la tragedia sin derramar ni una sola lágrima siguiendo adelante sin parar a sentir el dolor. Tardará cinco años en comprender que nunca tendrá una respuesta, en perdonar y en llorar la perdida, tardará cinco años en regalar unas flores.

Ane recibe unas flores de un destinatario anónimo el mismo día que le informan de que ha entrado en la menopausia. Ese regalo abre en ella unos sentimientos que había olvidado, la emoción del cortejo secreto, el sentimiento juvenil de sentirse deseada. Cuando meses después dejan de llegar, todo su anhelo es encontrar al generoso desconocido.
Tardará cinco años en entender que no importa quien fuese ese hombre, que el verdadero regalo fue que esas flores volvieron a darle color a su matrimonio, a la nueva etapa de su vida y a ella como mujer. Como le dice a Ane en el último acto de la película "Ni siquiera se ya si fue él quien me las envió"
En mi imaginación, Beñat vio que Ane necesitaba un precioso y colorido ramo de flores, unas nuevas emociones e ilusiones a las que despertar. Ese fue su regalo, no un interés romántico en ella.

Y por último Tere, matriarca, raíz y tronco de la familia. Portadora y trasmisora de recuerdos, la memoria es su legado a los suyos. La tragedia la golpea con toda la dureza, trata de enmendar errores, pero no siempre las otras personas están dispuestas a aceptar los acercamientos.
Cinco años después la enfermedad se ha llevado su esencia, pero en ese preciso momento en el que no podrá llevar más flores al lugar de la perdida, y aunque nunca lo sepa, otras cogerán su testigo.
El mayor desprecio que pueden hacerle es recordar a su hijo con unas flores de plástico, porque representan los sentimientos falsos, y ella que es auténtica hasta el final, solo entiende de flores de verdad.

Con la música de Pascal Gaigne que envuelve las imágenes de manera delicada sin sacar nunca al espectador, lo poderoso de la fotografía de esta película está en lo que queda fuera de la luz, lo encorsetado de las localizaciones hablar perfectamente de la incapacidad de sus personajes de establecer relaciones de manera libre y natural.

Y para que la película sea magnífica no solo puede tener una buena labor en el guion y unos directores especialmente inspirados, se necesita que las personas que le ponen carne a las palabras también brillen.
Todos los actores de Loreak parecen tocar la misma música, todos parecen estar en el mismo tono y en la misma nota de contención, expresando a través de los ojos. Nadie desentona ni chirría porque volviendo a los tópicos de los vascos secos, los actores trabajan desde el interior, hablando con la mirada y dejando que el espectador imagine e intuya, para contar mucho más que intérpretes que no paran de hablar en hora y media.
La actuación de Nagore Aramburu la voy apreciando cuantas más veces veo la película, su Ane resulta más profunda e interesante una vez la revisionas.

Joxean Bengoetxea compone un Beñat entrañable, al que intuimos buena persona, que nada entre las aguas turbias de las tensiones de su madre y su mujer. Que sin quererlo pasará de observarlo todo subido a lo alto de una grúa a cambiar la vida de las tres mujeres de su vida.

Pero mención especial se llevan las dos Itziar de la película.
Itziar Aizpuru, la madre, la matriarca, el tronco del que nace la familia, la mujer que impone un ritmo y un espacio a los suyos, que cuando las cosas no salen como ella dice o cuando alguien hace algo que ella no diría, no le hace falta gritar, todo lo recoloca con su mirada heladora.

Su no nominación al Goya como mejor actriz de reparto en los premios del 2015, sigue siendo una de las razones por las que estos premios me parecen absurdos, sobretodo porque no solo debería haber estado en la terna de nominadas, sino que debería haberlo ganado.
Su Tere no es solo la representación perfecta del matriarcado vasco, sino que es uno de los mejores personajes femeninos escritos en euskera, que la actriz sabe bordar hasta tejer una mujer inolvidable.
Itziar ha vuelto a trabajar en la película El guardian invisible de Fernando Velásquez, y vuelve a ser parte de lo mejor de la historia. Verla es siempre un privilegio y entra en ese grupo de intérpretes en el que me basta su apellido en mayuscula para presentarla, LA AIZPURU.
La otra Itziar es Ituño, que pone la piel a la mujer de Beñat, la que es incapaz de derramar una lágrima tras la muerte de su marido, la mujer rebelde, fuerte, solitaria y con un fondo sensible que no muestra al mundo.

Ituño a la que hemos podido ver en la serie La casa de papel en antena 3 y que es probablemente una de las mejores cosas de esta (sino la mejor) se hizo famosa hace unas pocas semanas por ser el objeto de una campaña de desacreditación en ese mundo paralelo y absurdo llamado twitter. Sin entrar a valorar la estupidez de los argumentos en los comentarios de aquellos que pidieron el boicot a la serie, y especialmente a la actriz por sus opiniones políticas (que coherente insultar a una persona que esta haciendo uso de su libertad de expresión en su vida privada)  espero que esto no afecte al futuro de una mujer que no solo tiene un gran talento sino un carisma y una fotogenia extraordinaria.
Si por desgracia si le afecta, siempre podrá encontrar un lugar en la cinematografía vasca para seguir dando vida a personajes como el de Lourdes.

Loreak está ahora en mi videoteca personal, junto a Amama de Asier Altuna. Dos películas del cine vasco de los últimos años que hablan de nuestra sociedad, revisando sus raíces, preguntando quienes somos y como somos.
Que teniendo temáticas diferentes, se encuadran en una filmografía por desgracia escasa pero honesta, llena de personas con mucho talento a los que cuando se les permite y financian, dan obras como LOREAK.
Por cierto, al final sí que APROBE el curso. Pero como el euskera es así, el año que viene tengo que seguir estudiando.