Pero eso lo dejo para la semana que viene, para repasar todo lo que esta por venir, de momento me relajo para acabar este 2016 tan intenso...
¿ Y por qué me ha pasado? Porque he sido inmensamente feliz en el teatro este 2016. He disfrutado mucho de las series, enormemente del cine.....pero con el teatro ha sido perfecto.
Puede que haya coincido en un año con grandísimas obras sobre las tablas, porque he estado cada vez más interesada en ver trabajos cada vez más arriesgados con propuestas diferentes, o porque he conseguido cumplir sueños que tenía desde hace tiempo. La cuestión es que he tenido un maravilloso 2016 como espectadora de teatro.
Ha sido difícil hacer una lista, pero aquí están mis NUEVES mejores obras de 2016 colocadas en OCHO PUESTOS. No están todas las que son, pero si son todas las que están.
NÚMERO OCHO:
ACTING de Xavier Durringer.
NÚMERO SIETE:
ACTING de Xavier Durringer.
A veces no es necesario más que tres actores sobre el escenario y una historia sencilla pero directa para que se produzca el buen teatro. Sobretodo si uno de esos tres actores es Niels Arestrup dando clases magistrales de interpretación y un Kad Merad en el papel de convicto que encuentra en las lecciones para ser actor, el destino de su vida.
Obra de teatro salpicada de humor que se ve con una sonrisa en la cara, sus mejores momentos son los dos en los que sus dos principales actores se ponen serios. Uno recitando a Hamlet, el otro despidiéndose de la vida con Maria Callas sonando en su último aliento. Un hombre que encuentra en el teatro y la cultura su futuro fuera de la cárcel, otro que descubre en la cárcel que el teatro y la cultura ya no pueden darle un futuro.
Lo voy a escribir una vez más, como quien escribe una carta de amor una y otra vez, Neils Arestrup es MI ACTOR.
Obra de teatro salpicada de humor que se ve con una sonrisa en la cara, sus mejores momentos son los dos en los que sus dos principales actores se ponen serios. Uno recitando a Hamlet, el otro despidiéndose de la vida con Maria Callas sonando en su último aliento. Un hombre que encuentra en el teatro y la cultura su futuro fuera de la cárcel, otro que descubre en la cárcel que el teatro y la cultura ya no pueden darle un futuro.
Lo voy a escribir una vez más, como quien escribe una carta de amor una y otra vez, Neils Arestrup es MI ACTOR.
NÚMERO SIETE:
EL REY de Alberto San Juan.
Estoy deseado ir a Madrid para conocer esa iniciativa llamada teatro del barrio. De momento me alegra que las programadoras de teatro vitorianas siguen siendo fieles a San Juan y traigan todos sus obras a Vitoria.
El rey es una parodia de la figura del rey emérito Juan Carlos y habla de su llegada al poder mediante caminos muy oscuros.
Satírica, transgresora, que ayuda a hacer pensar al espectador y sobretodo...LIBRE. Con la ley mordaza persiguiendo a cualquiera por decir lo que piensa, EL REY resulta un perla en un desierto.
San Juan demostraba una vez más lo bueno que puede llegar a ser escribiendo, dirigiendo y actuando y de paso nos devolvía al Willy Toledo que queremos, el actor carismático y talentoso que trata de cambiar las cosas desde la cultura y la reflexión, no a través de twitter.
NUEMERO SEIS:
EL PADRE de José Carlos Plaza.
Lo que ofrece José Carlos Plaza en este trabajo es ponernos en la mente de un hombre con alzhéimer y su progresivo deterioro para trasmitirnos la terrible angustia y desesperación del protagonista.
Con un Héctor Alterio tierno y conmovedor, me fascina la valentía de este actor para subirse a las tablas con un personaje tan difícil en una obra que desnuda una enfermedad terrible y durísima.
Pero además del gran trabajo de su actor principal, su segunda gran baza está en ese escenario que se va vaciando y desmontando a medida que la enfermedad avanza para que como espectadores intentemos comprender la desorientación de alguien con alzhéimer.
Cuando acaba la obra el frio se ha apoderado de nosotros como espectadores porque la obra ha conseguido su propósito, llevarnos a través de los oscuros recovecos de una mente con una enfermedad que no pierde el humor como timón. Aunque sea lo único que le quede.
NÚMERO CINCO:
EL JURADO de Andrés Lima.
No me cansaré nunca de repetir que Andrés Lima es mi director favorito de teatro. Hay otros que me apasionan igual que él, pero con Lima tengo una conexión especial, porque sus historias siempre me han llegado y porque gracias a él he sido capaz de traspasar prejuicios que ni yo misma sabía que tenía y porque siempre me ha resultado un director tremendamente innovador.
Con El jurado nos plantea la idea de una justicia corrompida y el precio que cada uno pone a su VERDAD. Con un grupo de actores totalmente ecléctico, donde destacan el siempre magnifico Víctor Clavijo y un estupendo Josean Bengoetxea, la dirección de arte vuelve a estar a cargo como en todas las obras de Lima a cargo de Beatriz San Juan, que acierta poniendo a este jurado que delibera durante dos horas sobre si un político es corrupto o no en una plataforma giratoria, para que podamos ver a estos personajes corromperse ellos mismos.
El final es tan desolador y desilusionante como lo es la realidad política actual.
NÚMERO CUATRO:
TIERRA DE FUEGO de Claudio Tolcachir.
Al contrario que me pasa con Andrés Lima, con el director Claudio Tolcachir no suelo conectar casi nunca. Sus obras, incluso las más aclamadas, siempre consiguen dejarme fría o indiferente.
Por eso no tenía demasiadas esperanzas puestas en esta Tierra de fuego, pero la presencia de Alicia Borrachero a la cabeza del reparto fue el gancho necesario.
Como toda excepción a la regla, la obra consiguió impactarme de tal manera que está en mi número cuatro y no unos puestos más arriba porque este ha sido un año de teatro excepcional y mis tres primeros puestos son OBRAS MAESTRAS, pero sin duda Tierra de fuego es de lo mejor de este 2016.
Como no podía ser de otra manera Borrachero esta inmensa, pero la gran fuerza de esta obra radica en una historia que golpea al espectador, que le lleva a través de su protagonista a plantearse si el perdón es posible.
Si el miedo, la angustia y la desesperación son emociones más poderosas que el perdón, y si es más importante mantenerse fiel a uno mismo y a sus principios aunque la familia y los seres queridos se opongan a ello.
Nunca necesite tanto que una obra tuviese un final en PAZ, y estaré siempre agradecida a Mario Diament, su autor, por dármelo. La angustia hubiese sido demasiada si no hubiese así.
NÚMERO TRES:
PABELLÓN 6.
Es mi sueño cumplido del año, un sueño que me acompañaba desde hacía tiempo, y por fin este año pude conocer este lugar ubicado en la rivera de Deusto, un lugar en transformación, de búsqueda y de reunión de la gente que amamos el teatro.
Muchas veces, cuando los sueños se cumplen se produce una decepción porque no se ajustan con lo que realmente esperábamos. No fue el caso. De hecho fue mejor.
Ramón Barea ha sabido encontrar y transformar, con mucho trabajo, un lugar abandonado en un teatro, como si fuese una metáfora de ese Bilbao que hace años era una ciudad gris y decadente que gracias a un museo supo renacer en una de las ciudades más interesantes y dinámicas. Las dos son una demostración que de los lugares menos esperados nacen las propuestas más interesantes.
Ramón Barea ha sabido encontrar y transformar, con mucho trabajo, un lugar abandonado en un teatro, como si fuese una metáfora de ese Bilbao que hace años era una ciudad gris y decadente que gracias a un museo supo renacer en una de las ciudades más interesantes y dinámicas. Las dos son una demostración que de los lugares menos esperados nacen las propuestas más interesantes.
Pabellón 6 es un lugar independiente y acogedor, en el que te sientes siempre bienvenido. Un pabellón que se hace gracias a la gente y con la gente.
NÚMERO DOS:
LES DAMNÉS de Ivo van Hove. (Comédie-Française)
NUNCA.HABIA.VISTO.NADA.IGUAL.EN.TEATRO....NUNCA.
Después de lloriquear durante semanas de que no quedaban localidades para ver la obra de la que todo el mundo hablaba en París, pude conseguir entradas (en el mejor sitio de la Comédie-Française) para ver Les Damnés.
Todavía estoy en shock.
La idea de coger un guion de Visconti y llevarlo a escena rompiendo todo tipo de barreras, es ya desde el principio un riesgo, pero Ivo van Hove no se queda ahí. Decide dejar el texto detrás para crear una de las puestas en escena más impactantes que he visto jamás.
Con una enorme pantalla al fondo del escenario, con dos cámaras que se pasean por el escenario como si fuesen dos ojos que todo lo ven mientras los actores actúan, con varios puntos en los que esta ocurriendo cosas a la vez, no hay palabras para describir el impacto visual de esta obra.
Su texto, a medio camino entre Shakespeare y las grandes tragedias griegas, habla del ascenso nazi al poder de la Alemania de los años 1931 a 1933.
No es ninguna sorpresa, que el que acabe haciéndose con el poder dentro de la familia, sea el personaje más enfermo, pervertido y sádico. El que no planea ni maquina nada, solo el que se mueve por unos impulsos que nunca le refrenaron
Los mejores actores de la Comédie-Française se ponen al servicio de un visionario del teatro como es Ivo van Hove ( al que le seguiré la pista en los próximo años) para hacer sus mejores trabajos.
El talentoso Loïc Corbery o el extraordinario Denis Podalydès están a la cabeza de uno de los mejores repartos vistos en la escena parisina, con la recuperación para las tablas de Guillaume Gallienne que decide aparcar el cine para interpretar un personaje en una obra coral, demostrando que los grandes actores saben entender que es más importante estar en una obra que va a marcar a una película que pasara de largo.
Les Damnés es violenta hasta los extremos, traspasa cualquier limite, interpela al espectador directamente a la cara y propone una experiencia de dos horas diez que zarandea.
No es sutil, no es fácil, no es amable ni educada............NI FALTA QUE LE HACE.
Ha sido un privilegio poder verla.
Con una enorme pantalla al fondo del escenario, con dos cámaras que se pasean por el escenario como si fuesen dos ojos que todo lo ven mientras los actores actúan, con varios puntos en los que esta ocurriendo cosas a la vez, no hay palabras para describir el impacto visual de esta obra.
Su texto, a medio camino entre Shakespeare y las grandes tragedias griegas, habla del ascenso nazi al poder de la Alemania de los años 1931 a 1933.
No es ninguna sorpresa, que el que acabe haciéndose con el poder dentro de la familia, sea el personaje más enfermo, pervertido y sádico. El que no planea ni maquina nada, solo el que se mueve por unos impulsos que nunca le refrenaron
Los mejores actores de la Comédie-Française se ponen al servicio de un visionario del teatro como es Ivo van Hove ( al que le seguiré la pista en los próximo años) para hacer sus mejores trabajos.
El talentoso Loïc Corbery o el extraordinario Denis Podalydès están a la cabeza de uno de los mejores repartos vistos en la escena parisina, con la recuperación para las tablas de Guillaume Gallienne que decide aparcar el cine para interpretar un personaje en una obra coral, demostrando que los grandes actores saben entender que es más importante estar en una obra que va a marcar a una película que pasara de largo.
Les Damnés es violenta hasta los extremos, traspasa cualquier limite, interpela al espectador directamente a la cara y propone una experiencia de dos horas diez que zarandea.
No es sutil, no es fácil, no es amable ni educada............NI FALTA QUE LE HACE.
Ha sido un privilegio poder verla.
NÚMERO UNO:
EX AEQUO:
- INCENDIOS de Mario Gas.
- LA CLAUSURA DEL AMOR de Pascal Rambert.
Este año he podido ver dos obras maestras en el teatro. DOS. Me resulta imposible elegir cual de las dos ha sido más importante para mi entre estos dos grandes trabajos. Por eso decido darles el número uno a las dos. Por lo que me ofrecieron cuando pude verlas, por lo que me hicieron pensar, por donde me llevaron y porque enriquecieron mi vida. Dos formas de hacer un teatro diferente, dos formas de pasar a la historia de las tablas.
INCENDIOS de Mario Gas
Hace un mes hice una extensa entrada de esta obra de teatro.
Me reafirmo en todo lo que dije en aquel momento, y ya tengo las entradas para poder volver a verla en febrero en el teatro Arriaga de Bilbao.
Nunca dirigió mejor Mario Gas, nunca una historia fue tan difícil de contar y nunca fue tan necesario ver a Nuria Espert sobre un escenario.
LA CLAUSURA DEL AMOR de Pascal Rambert
Solo dos actores en escena, sobre una alfombra que emula un cuadrilátero. Una primera parte escuchándole a él, una segunda parte escuchándola a ella. Dos personas que están rompiendo una historia de amor. No se necesita más para hacer una OBRA MAESTRA.
Dos actores que sean pareja en la vida real es lo que buscaba el director Pascal Rambert, igual que lo hizo en Francia. Y encontró a dos de los mejores, Barbara Lennie e Israel Elejalde.
Un tour de forcé entre una pareja que lo es en la vida real y que se rompe en el escenario. No se necesita nada más para crear una obra maestra.
Además Lennie y Elejalde desmienten a aquellos que dicen que las parejas no tienen química cuando trabajan juntas, la que existe entre ellos sobre el escenario es eléctrica.
En dos horas tenemos el privilegio de conocer a dos personas, como fue su relación y lo hirientes que pueden ser las palabras dichas como si fuesen balas.
Él culpa a la pareja de una crisis personal, no se da cuenta que en sus palabras lo que se trasluce es su propio vacío no una relación toxica, ella es emocionalmente más madura, pero también sabe hacer daño. Un texto hecho para que el espectador escuche y para que se haga más grande de la mano de dos buenos actores. Aquí encontraron a dos que están extraordinarios.
Una pareja que se rompe para una obra de teatro que recordaré siempre.
Ahora que termino de hacer este post me doy cuenta de que a pesar de que el 2016 ha tenido momentos de todo tipo, buenos y malos, el teatro siempre ha sido una buena luz para mi.
Y como me ha enseñado a través de sus textos el crítico teatral Marcos Ordoñez, prefiero dejar detrás las peores obras, porque de incluso esas he aprendido algo.
El teatro, ese lugar, ese espacio, ese mundo, ese universo.
Feliz año nuevo, feliz 2017. Para despedirme, mi momento más emotivo de la televisión de este año que termina.
Hasta el año que viene.
Un tour de forcé entre una pareja que lo es en la vida real y que se rompe en el escenario. No se necesita nada más para crear una obra maestra.
Además Lennie y Elejalde desmienten a aquellos que dicen que las parejas no tienen química cuando trabajan juntas, la que existe entre ellos sobre el escenario es eléctrica.
En dos horas tenemos el privilegio de conocer a dos personas, como fue su relación y lo hirientes que pueden ser las palabras dichas como si fuesen balas.
Él culpa a la pareja de una crisis personal, no se da cuenta que en sus palabras lo que se trasluce es su propio vacío no una relación toxica, ella es emocionalmente más madura, pero también sabe hacer daño. Un texto hecho para que el espectador escuche y para que se haga más grande de la mano de dos buenos actores. Aquí encontraron a dos que están extraordinarios.
Una pareja que se rompe para una obra de teatro que recordaré siempre.
Y como me ha enseñado a través de sus textos el crítico teatral Marcos Ordoñez, prefiero dejar detrás las peores obras, porque de incluso esas he aprendido algo.
El teatro, ese lugar, ese espacio, ese mundo, ese universo.
Feliz año nuevo, feliz 2017. Para despedirme, mi momento más emotivo de la televisión de este año que termina.
